Finalmente The Art of Star Wars: The Acolyte è arrivato a casa.
E chi mi conosce da tempo lo sa: gli Art of sono, senza mezzi termini, i miei libri preferiti di sempre. Perché più di qualsiasi altra pubblicazione riescono a raccontare cosa un progetto voleva essere davvero, prima di scontrarsi con limiti produttivi, compromessi narrativi o scelte editoriali discutibili. E poi i disegni sono sempre fighissimi.
Pubblicato da Abrams Books, scritto da Kristin Baver e introdotto da una prefazione di Leslye Headland, questo volume accompagna The Acolyte mostrando concept art, design di personaggi e ambienti, ma soprattutto una quantità impressionante di retroscena narrativi, idee scartate, collegamenti e riferimenti che nella serie televisiva sono rimasti in gran parte inespressi.
Ed è proprio qui che nasce il paradosso.
Un dietro le quinte che racconta una serie diversa
L’artbook non è solo una raccolta di immagini spettacolari. È il racconto di una serie che, sulla carta, era più ambiziosa, stratificata e connessa all’universo di Star Wars di quanto lo show finale abbia lasciato intendere.
Già dall’introduzione emergini i primi dettagli interessanti: Headland rivela un collegamento concettuale tra Han Solo e The Acolyte, un’idea che nasce più a livello tematico che narrativo e che sottolinea l’intento di esplorare personaggi ai margini, ambigui, lontani dall’eroismo classico.
Un altro elemento chiave è il titolo originale della serie: The Lost Sister. Un riferimento diretto alle gemelle Mae e Osha, nucleo emotivo dell’intero progetto. Un titolo che avrebbe reso immediatamente esplicita la dimensione tragica e speculare della storia, poi in parte diluita nel passaggio a The Acolyte.
Nonostante la cancellazione dopo una sola stagione, Headland definisce comunque il progetto un successo creativo, sostenendo che l’obiettivo fosse quello di creare una nuova espressione di Star Wars. Alla luce dei materiali presenti nel libro, è difficile negare che l’ambizione ci fosse.
Qimir, i Sith e la Regola dei Due
Uno dei punti più rilevanti riguarda Qimir, alias The Stranger.
Nel libro, il personaggio viene esplicitamente definito “un Maestro Sith segreto”, chiarendo una delle ambiguità più discusse della serie. La maschera sorridente e disturbante non è un semplice espediente estetico: il design è stato concepito per evocare Kylo Ren, richiamando l’eredità visiva dei Sith mascherati e l’influenza samurai che risale fino a Darth Vader.
Headland spiega che questo legame non è solo visivo. L’idea era quella di prefigurare una connessione con i Cavalieri di Ren, immaginando Qimir come una sorta di progenitore, parte di una cultura Sith-adjacent capace di aggirare la Regola dei Due senza infrangerla direttamente. Un modo per mantenere viva la linea Sith pur esplorando strade narrative alternative.
In pre-produzione, il personaggio era persino soprannominato “Frank”, un riferimento al inquietante coniglio di Donnie Darko.
Plagueis, Legends e cortosis
Il design di Plagueis si ispira alle versioni editoriali e ai Muun già visti in animazione. Headland racconta di essersi commossa alla vista del concept finale, perché rispecchiava perfettamente ciò che aveva immaginato.
Su consiglio di Dave Filoni, il team ha anche recuperato dal Legends il concetto di cortosis, per preservare l’efficacia letale delle spade laser senza abusare di espedienti come il beskar.
Streghe, Jedi e scelte estetiche
Le streghe guidate da Mother Aniseya inizialmente dovevano vivere su Dathomir, ma Filoni ricordò a Headland che non tutte le streghe di Star Wars sono Nightsisters. Da qui la decisione di creare un culto distinto, ispirato sia alle Nightsisters sia alle suore del film Black Narcissus (1947).
Il loro insediamento doveva essere Anisham Castle, un castello opulento e fiabesco ispirato a Naboo in The Phantom Menace, poi sostituito da una struttura più industriale e fortificata.
Per quanto riguarda i Jedi, è stato Kathleen Kennedy a suggerire di rendere le loro vesti più colorate, per evitare un’estetica troppo uniforme e spenta. Una scelta nata anche da considerazioni pratiche legate al merchandising.
Lee Jung-jae ha studiato l’interpretazione di Qui-Gon Jinn per costruire il personaggio di Sol, mentre Vernestra Rwoh è stata resa calva come simbolo di saggezza, ispirandosi a The Ancient One di Doctor Strange.
Yord Fandar, invece, era stato inizialmente concepito come un Duros, la stessa specie di Cad Bane.
Scene scartate, ambientazioni e concept art
Tra le idee mai arrivate sullo schermo troviamo:
L’incipit della serie ambientato su Nar Shaddaa, con la presenza di un piccolo Hutt;
Un Ala X, commissionata come concept pur sapendo che storicamente i Jedi non pilotavano questi caccia;
Mae in una primissima versione con un’armatura Sith rossa, a metà tra Darth Revan e il Dracula di Coppola.
Per gli episodi Giorno e Notte è stato costruito un set forestale pratico di oltre 70.000 piedi quadrati, con più di 160 alberi reali.
Kelnacca, il Jedi Wookiee, doveva inizialmente avere la testa completamente rasata, ma l’idea fu scartata perché visivamente troppo strana.
Easter egg e dettagli minori
Il droide Pip presenta quattro adesivi consumati:
Una vista dall’alto del tracciato di Ando Prime da Episode I: Racer;
Un Loth-cat da Rebels;
L’emblema del casco di Luke in A New Hope;
La forma evocativa di Batuu, da Galaxy’s Edge.
Politica, Senato e finale alternativo
L’artbook svela anche un finale alternativo, ambientato subito prima dell’epilogo con Yoda, che avrebbe mostrato Vernestra confrontarsi apertamente con il cinismo della politica galattica. L’idea fu scartata perché spezzava il ritmo del finale.
Il Senate Building doveva apparire in ristrutturazione, come simbolo dell’inizio della corruzione vista nei prequel. Il pavimento rosso della sala del tribunale non è casuale: Vernestra mente nel sangue dei Jedi caduti.
E sì, il libro conferma anche che Osha e Qimir avrebbero dovuto condividere un bacio romantico, poi eliminato.
Un libro che diventa un memoriale
Alla fine, The Art of Star Wars: The Acolyte è più di un semplice artbook. È la prova tangibile di un progetto che avrebbe potuto essere molto di più, se avesse avuto tempo e spazio per svilupparsi.
È consigliato.
Non solo per la qualità artistica, ma perché racconta con chiarezza cosa è andato perso lungo la strada.
Ed è forse questo il suo valore più grande.
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